sábado, 27 de junio de 2015

Acriboréa

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Otro aporte de Nexus, ahora llamado Fenix de Ainur: una fantástica historia de ciencia ficción bélica de magnifica historia e ilustración perfecta.

Forzada encontrar un nuevo horizonte para asegurar su supervivencia, la humanidad envió una colonia al lejano sistema de Ruivivar. Después de medio siglo instalado en el planeta Acriboréa, los colonos se preparan para acoger a la segunda Oleada y sus doce millones de inmigrantes. Una llegada histórica que moviliza la atención de todos los nativos que habitan el Sistema de Ruivivar.

Esta historia analiza los destinos de la humanidad desde los ojos de Jasper Niemeyer y Nathan Palliger, dos hombres en el centro de acontecimientos terribles y catastróficos en un futuro oscuro y brillante al mismo tiempo cuya última apuesta es la es la preservación del género humano., con un trazo magnífico y una historia envolvente , este cómic un brillante Space Opera Bélico con aun aparatado gráfico que recuerda los clásicos como Horizonte perdido, y una trama realmente impresionante, este cómic es de los que pocas veces se podrán llevar a la pantalla grande sin trasladar la atmósfera de las viñetas que son para aplaudir de pie. Es de esos comics que no suelen ser muy conocidos pero que cuando lo lees te preguntas ¿Cómo puede pasar desapercibido una obra como esta? 

Idioma: Español.
Editorial: DelCourt Productions
Año: 2006
Guion: Sylvain Cordurié
Dibujo: Stéphane Créty
Tradumaquetador: Deneo
Archivos: 5
Tamaño: 271 MB
Formato: CBR.

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viernes, 26 de junio de 2015

Reseña: Saga


SAGA #1 - 28

Fecha de Publicación: 14 de Marzo, 2012 - Presente
Editorial: Image
Guionista: Brian K. Vaughan
Dibujo: Fiona Staples
Color: Fiona Staples
Reseña: Ñoño Cool

La reseña de hoy es otra de esas “especiales” de esas donde gracias a su ENORME calidad e impacto, admito lo mucho que me costó encontrar una forma de abordarlas y comenzar a escribir sobre ellas, donde admito que la tarea me queda grande y que me disculpo de antemano por si no le hago total justicia con toda la palabrería que tendrán por delante. Sep, “Saga” de Brian K. Vaughan y Fiona Staples es uno de esos casos.

Una colección que ha arrasado en los Premios Eisner en distintas categorías por varios años ya, así como en los premios Hugo y Harvey; y que recibe un enorme “¡si, y mucho!” de parte del 98% de los lectores cuando les preguntas si es que les gusta el presente cómic; así que obviamente es intimidante el abordar la colección revelación del 2012 que se ha transformado en uno de los consentidos de fans y crítica especializada por igual.

Así que los que no sepan lo que es "Saga" se estarán preguntando ¿Por qué todo el alboroto? ¿Qué hace tan especial a una colección salida de Image para ganarse dicho prestigio? Bueno… este es un comic algo difícil de definir en una manera bien concisa. Pero si debo hacer un resumen muy tosco diría que "Saga" es “Star Wars + Señor de los Anillos + Juego de Tronos + Shakespeare”.

Naciendo como un sueño de la infancia de Vaughan, todo este universo se fue formando en los años más tiernos de su guionista, donde su floreciente imaginación formaba historias, conceptos, personajes y diseños que al llegar a la adultez se combina con la nueva perspectiva y experiencia de vida que llega con los años. El resultado de esta fusión es un universo con elementos patentemente infantiles en cuanto a conceptualización y diseño, pero cuya ejecución es totalmente adulta y madura.

Una serie que si bien se mueve entre docenas de conceptos, temas y situaciones, siempre tiene claro su núcleo: la familia y los valores familiares. Nuestros dos protagonistas son padres primerizos con una hija recién nacida en medio de una guerra milenaria que tiene enfrascados a los habitantes del planeta Terrada (Wreath) y su luna llamada Guirnalda (Landfall) en una batalla que ya ha durado generaciones. Ambos son miembros de especies diferentes que se encuentran en los bandos opuestos de esta guerra – la cual ha durado tanto tiempo que nadie sabe cómo y por qué comenzó – que ocupa todo el cosmos, excepto los planetas nombrados ya que como tanto Terrada como Guirnalda se necesitan mutuamente para mantener sus órbitas, han llevado su conflicto a otros planetas que invadieron e involucraron después de que todo llegó a ser demasiado destructivo para sí mismos. Es en este contexto donde la pareja y su recién nacida tienen que intentar salir adelante.

Y en esta guerra no hay un bando “de los buenos” y otro “de los malos, no hay Imperio Galáctico y Alianza Rebelde; sino que solo guerra y violencia en todo el universo donde se haya extendido las confrontaciones, donde cada lado hace cosas indecibles para poder tener una pequeña ventaja. Nuestros héroes, un hada de Terrada llamada Alana y un fauno de Guirnalda llamado Marko, ambos soldados de cada ejército, son la versión de Romeo y Julieta de esta historia - pero no podrían estar más lejos de los débiles y blandos amantes Shakespereanos en cuanto a personalidad – están huyendo juntos para poner a salvo a su hija que ambos lados consideran una aberración.

Y he aquí lo interesante, no están en una misión para detener la guerra – pues eso les queda muy grande – como sería lo típico de esperar en algo como esto, sino que solo quieren que los dejen tranquilos con la pequeña Hazel. Pero como dije, ella es considerada una monstruosidad y se envía al Príncipe Robot IV (miembro de la realeza de un mundo aliado de Terrada, quien viene de una raza con un televisor por cabeza) y un caza recompensas conocido como The Will – por parte de los faunos – a capturarlos. Ellos servirán como nuestros “villanos” en la primera gran parte de la historia hasta ahora, pero a diferencia de Star Wars donde tenías a Darth Vader y Boba Fett, villanos que creían en su causa o iban hasta las últimas concecuencias por lograr su objetivo; el Príncipe Robot fue coaccionado para que encuentre a estos traidores, mientras todo lo que quiere realmente es volver a casa para ver a su hijo recién nacido; y  The Will dejó de lado el encargo asesino para rescatar a una niña de 6 años de un planeta dedicado al comercio sexual de todo tipo. Y solo vuelve al trabajo después del trágico evento que involucra a su ex novia cazarrecompenzas mitad mujer-mitad araña y a Robot IV.

Simplemente este mundo está lleno de creatividad ¿no? Y eso no es nada, pues tenemos un árbol volador como nave espacial que no tiene ningún tipo de panel de control y solo va donde se le antoje… a menos que se lo pidas de buena manera, una niñera que es una niña de 14 años fantasma a la que le falta su mitad inferior ya que murió al pararse en una mina explosiva, y por eso sus intestinos cuelgan de su playera. Hay hombres caballo de mar, hechizos que requieren usar un secreto personal que ocultes de tu vida para funcionar, espadas que cortan el espacio tiempo, gorilas en llamas, tríclopes gigantes con testículos masivos, focas bebes antropomórficas en overol, cíclopes poetas, una gata gigante azul y sin pelo que dice “MENTIRA” cada vez que escucha a alguien decir algo que no es cierto, y un largo etc.


Este universo nuevo es algo que es fascinante de explorar, y más que por el mundo creado es por sus personajes. Cada uno de ellos tienen una personalidad muy concreta y rápidamente identificable gracias a como enfrentan las situaciones, desde un inicio sabremos que esperar de cada uno. Y a pesar de que tengamos criaturas tan extrañas e inverosímiles como las anteriormente mencionadas, todos se sienten muy auténticos.

Marko y Alana no están metidos en el arquetípico “Viaje del Heroe” tantas veces vistos en las historia de aventura en general, sino que son dos personas completas por sí mismas y que además se aman muchísimo sin que en ningún momento su relación caiga en lo cursi; ellos pelean, tienen sexo, y se burlan del otro como las parejas reales hacen; les importa un carajo la guerra en que el resto del universo se ha enfrascado, sino que su única preocupación es poner a salvo su recién nacida. Y los "villanos" tienen sus propias motivaciones completamente comprensibles y no son para nada planos o solo “malos” ni por asomo.

"Saga" es primariamente como dije en un comienzo es sobre familia, sobre dos personas trayendo a una nueva vida al mundo, un mundo verdaderamente horrible. Mientras Alana y Marko quieren la dicha de una hija, The Will les dice pendejos (gilipollas) por traer alguien más simplemente a sufrir en este horrendo universo. Esta pareja no busca el amor, pues el romance ya sucedió, no buscan por un tesoro perdido en la galaxia pues su felicidad está en su bebe Hazel, no quieren aventura sino que solo estar a salvo. Diablos si la suegra – muy badass - es uno de los personajes principales incluso! La elaboración de estos personajes, sus diálogos naturales y las situaciones tan reales – a pesar del contexto fantasioso/sci-fi – hacen que te identifiques con ellos y los entiendas de buena manera, se nota que Vaughan escribió esta historia siendo el mismo recientemente padre y sabe de lo que habla.

Y como no, también veremos como Hazel – la niña - crece en este mundo, ya que si bien comienza como una bebé, su versión adulta del futuro es la que narra la historia. Una movida brillante para que no sea un simple objeto que Alana esté sujetando, y como su narración está puesta en forma de letra manuscrita como de diario de vida flotando entre las viñetas se aseguran de que le prestes atención. Y a cada paso que avanza la historia vemos crecer a Hazel y acercarse más a la edad que tiene cuando la cuenta. Lo que deja en claro que a pesar de llevar casi 30 números y tres años de vida, "Saga" tiene para largo.

Otro punto a destacar es la forma en cómo obtenemos información sobre los actores en este drama, nada del cansino recurso de explosión tan sobre usado en casi todos los medios existentes para contar una historia, sino que pequeñas pinceladas gradualmente revelan sus pasados mediante una simple conversación o un intercambio de palabras por ejemplo. Y cada sub-trama en “Saga” es tan interesante como la trama principal, así que cuando se alejan de ella no sientes como si se ha estancado sino que agradeces que esto ayude a seguir construyendo este mundo.Por lo mismo cada número se lee muy rápidamente, lo que no signifique que lo entregado sea poco, sino que todo lo contrario.


Ahora, entrando al trabajo de la dibujante canadiense Fionna Staples, la otra mitad de este dúo y quien se encarga de todo el apartado visual, posee un manejo del color, diseño y narrativa visual de 10, siendo ella gran parte de porque este universo ficticio funciona. Todos sus escenarios y lugares en este vasto universo están construidos de manera sencilla pero muy efectiva, llenos de una personalidad que hace a cada uno único e irrepetible,  desde sucios tugurios interestelares, a planetas calmados, pasando por naves espaciales con forma de árboles cohete, siempre desbordando imaginación.

Lo mismo cada personaje, hay muchas diferentes especies alienígenas en "Saga" y ninguno parece un extraterrestre genérico visto en tantos comics sci-fi; nuestro protagonista goza de uno cuernos y ella de alas insectóides, su hija obviamente cuenta con la mezcla de ambos atributos; tenemos a Stalk, una cazarrecompenzas mitad mujer-mitad araña, completamente desnuda y sin brazos, sinceramente muy aterradora; niños fantasmas que pueden cambiar de forma, seres que son meramente cabezas gigantes con largos pies, y todo un reino de robots con cabezas de televisores amantes del sexo... nuevamente dando ese aire de imaginación infantil que trae Vaughan y que Staples se encarga de traer a la vida.

 Y lo más destacable de su trabajo no es que cada rareza que nace en la mente de Vaughan termina en las manos de Staples, sino que simplemente él le entrega descripciones simples y bien básicas y es ella la encargada de echar a volar su propia imaginación mientras trabaja con sus lápices, tintas y colores sin ayuda de nadie más que su propio talento. Cada criatura es algo nunca antes visto pero al mismo tiempo se siente auténtico.

Y como no, su trabajo en la narrativa visual y sobretodo su técnica para detallas las expresiones faciales es asombrosa, podríamos retirar todas las burbujas de diálogo y aún así sabríamos que está pasando en cada viñeta gracias a las perfectas expresiones en los rostros de nuestros personajes, cuando Alana y Marko se ven fijamente el uno al otro realmente puedes sentir en lo profundo de tu ser el amor que se tienen estos dos dibujos, estos dos personajes ficticios.

Puedo seguir alabando su trabajo para tratar de convencerte de lo maravilloso que es, pero creo que la única forma de realmente apreciar el talento de Fiona es simplemente mirarlo. Es fantástico.

Y ooootro gran aspecto de “Saga” (lo siento por deshacerme tanto en alabanzas, pero es que las merece) es la forma en cómo se mezcla perfectamente elementos de la fantasía como la magia, razas mitológicas y más pertenecientes a “El Señor de los Anillos”, “Las crónicas de Narnia” y situaciones más adultas provenientes de “Juego de Tronos” como son el sexo gráfico inter-especie , violencia brutal, y traiciones y alianzas políticas; con los pertenecientes a la ciencia ficción, específicamente la Space Opera y Star Wars, con batallas espaciales, tecnología cibernética y adelantos soñados en los viajes estelares, de medicina y más, viajes por el universo, el sentido de la aventura, e incluso personalidades similares a las vistas en la Galaxia muy, muy lejana pues Alana tiene todo el sabor de la Princesa Leia. Y para finalizar un toque Shakespereano, donde las familias Montesco y Capuleto se transforman en un planeta y su luna batallando por las galaxias cercanas, y el tema de traer un niño en un mundo en guerra es central. Toda una mezcla de muchos elementos ya vistos hace años, pero que aún así se siente totalmente fresco y original en su ejecución.

Una cosa que quiero dejar bien en claro si es que con todo lo dicho hasta ahora no se ha dado a entender SAGA NO ES PARA NIÑOS, y no se los dejes a mano si no quieres que les tengas que pagar terapia más tarde. El sexo gráfico inter-especie (el primero mostrado es entre el anatómicamente correcto Principe Robot IV y su novia, ambos con cabeza de televisor) y claro, la atracción permanente entre Marko y Alana y sus escenas de sexo que le añaden realidad y credibilidad a su relación, pero habrá a quien le escandalice - nunca falta esa gente - que sean representados . La violencia gráfica igual puede a veces shockear a los fácilmente ofendibles, y el tipo de humor utilizado en los momentos más incómodos – marca registrada de Vaughan – son cosas que necesitas cierto grado de madurez para comprender en su totalidad

- Apuntar como un pequeño dato que ni Vaughan ni Staples quieren que se transforme en una película o TV show, prefieren que se quede en formato de cómic y que sea algo que solo se pueda contar en dicho formato, pues así pueden dejar volar la imaginación a su nivel épico y con todo este contenido que sería rápidamente censurado o bajado de tono en los medios audiovisuales -

“Saga” es muy creativa, romántica, sexy, con mucha acción, personajes muy bien escritos, un sentido del humor bastante particular, y sinceramente es mucho más de lo que yo puedo describir aquí. Un mundo lleno de ideas infantiles traídas a la vida por una mirada adulta, que te atrapa muy rápidamente y quieres seguir leyéndolo sin detenerte. Una obra sencilla y directa, pero que al mismo tiempo es muy compleja e interesante, Saga es mi metanfetaminas, mi crack, mi LSD, NECESITO seguir leyéndola porque me hice adicto a ella.

“Saga” y su creadores se merecen todos los premios que se han ganado, pues este es un comic soberbio. ¿Hay gente que no le gustará “Saga”? Oh, claro que si, definitivamente… digo, hay gente a la que no le gusta “Mi Vecino Totoro”, “Toy Story 3” “El Rey León” o yéndonos a los comics hay gente que detesta “Watchmen” o “Sandman” de Neil Gaiman; pero en mi caso como les dije SAGA ES MI DROGA, y creo que a ustedes les puede encantar si le dan una oportunidad, no estarán decepcionados, y la Gata Mentira sabe que digo la verdad.

10/10



Post: Saga

Macanudo (Liniers)

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Macanudo es una serie de historietas que desde 2002 publica Liniers (Ricardo Siri) en el diario La Nación de Argentina.

El humor que caracteriza a la tira es fresco, inocente, inteligente y bizarro. Las tiras deben ser leídas con detenimiento hasta sus detalles, ya que en Macanudo como en el arte a veces hay que elegir entre entender o sentir.

Macanudo es frecuentemente percibido como una puesta al día de Mafalda (de Quino) en los 60, por el tipo de humor y sobre todo por el personaje protagónico Enriqueta.

En un chiste nombra a Mafalda, diciendo que fue su primer libro, y en una entrevista Liniers dijo que si hubiera sabido que los lectores iban a tomar a Enriqueta como una modernización de Mafalda, hubiera hecho a Enriqueta varón.

Personajes:

  • Duendes: Entes extraños con ropas de colores llamativos y unos sombreros puntiagudos. Se dedican a hacerles distintos males a las personas mientras duermen, como cambiar cosas de lugar o causarles dolor de cuello. Aunque continuamente se ven inmersos en actividades más extrañas. Superpoderes que tienen los duendes: Levitación, hipnosis, visión de rayos x, clarividencia... Además tienen muchísimo dinero, toman soda directo del sifón, son grandes maestros en el arte del yoyo, cuando se asustan les da hipo, y nos meten ideas raras mientras dormimos; algunos les dejan caramelos debajo de la almohada a los políticos que se portan bien.
  • Ovejas: Son animales que muestran comportamientos extraños y semi-humanos, pero en presencia de los seres humanos (al igual que los pingüinos) se muestran como animales comunes. Además se prestan para todo tipo de situación descabellada. Un martes a la tarde, se dio su salto evolutivo.
  • Pingüinos: Se muestran como cultos, llegando incluso a saber ballet, solitarios, relajados y curiosos, si bien procuran actuar como un pingüino normal si alguien se acerca a verlos.
  • El misterioso hombre de negro: Es un personaje que nunca habla, pero que se generan en su alrededor situaciones extrañas que llevan a terminar la tira cómica con una expresión de misterio exagerada hasta el absurdo. Lo que se dice de él:
    Una vez salvó a un ruso de un incendio
    Que vivió en Bolivia en los '80
    Que no tiene dedos en los pies
    Que conoció al Mariscal Tito, a Rita Hayworth y a Mujica Láinez
    Que su piel es fría al tacto
    Que nació con todos los dientes
    Que tiene su testamento tatuado en la espalda
    Que estuvo preso varios años
    Que sólo come duraznos y manzanas
    Que tiene fortunas enterradas en su sótano
    Que de noche le salen alas
    Que es peligroso
    Que se hace su propia ropa
    Que le amputaron los dedos de un pie
    Que visita cementerios todos los martes
    Que sus uñas son de plástico
    Que habla sueco
    Que tiene los dientes de Rasputin en un frasco
    Que flota
  • Enriqueta: Una niña que lleva un vestido azul. Su principal diversión es leer grandes libros, dedicarse a imaginar y disfrutar de la naturaleza, por lo que generalmente en las tiras que protagoniza hay un tono existencial aunque inocente. Tiene dos amigos, Fellini, su gato, y Madariaga, su oso de peluche.
  • Fellini: Un gato negro de orejas puntiagudas y nariz roja que constantemente se involucra en problemas. Confidente y completamente fiel a su amiga Enriqueta.
  • Madariaga: Un pequeño oso de peluche, que si bien no parece tener vida dentro de la historieta, generalmente se le trata como si fuera capaz de manifestar actitudes humanas como soñar o pensar.
    Gente que anda por ahí: En esta sección el autor trata situaciones normales que son parte de la cotidianeidad. Sin embargo, muchas de estas historietas guardan algún mensaje oculto acerca de nuestra realidad o simplemente buscan resaltar cierto aspecto de la misma, ya sea gracioso o no.
  • Las Verdaderas Aventuras de Liniers: En este segmento el autor se representa a sí mismo como un conejo, reflejando así parte de sus experiencias propias (como el nacimiento de su hija), y en especial aquellas que lo sorprenden de la vida cotidiana.
  • Emociones: Liniers representa a las emociones como pequeños personajes o "cosas". Por ejemplo: la alegría, la tristeza, las dudas, los sueños y pesadillas, los problemas y demás objetos abstractos son representados como pequeños dibujos (aunque los personajes humanos no puedan verlos).
  • La Vaca Cinéfila: Es un personaje que se dedica a difundir los secretos del cine, o simplemente hace notar lo predecible que son las películas hollywoodenses.
  • El traductor de nombres de películas: En esta tira Liniers carga contra los traductores de los títulos de las películas, con un personaje que muestra incompetencia, ya que los traduce sin ningún tipo de similitud con el título original.
  • Cosas que a lo mejor le pasaron a Picasso: Una parodia sobre la vida de Picasso.
  • Alfio la bola troglodita: Es un personaje extraño y excéntrico, que aparece (muchas veces de repente) en las historietas, siempre haciendo algo raro.
  • Martín y Olga: Martín es un niño pequeño con una gran imaginación que comparte pequeñas aventuras junto a su amigo imaginario, Olga, que sólo se comunica con él repitiendo su nombre. Aun así, Martín es capaz de entender lo que este imaginario personaje le dice. Esta pareja nos demuestra el poder de la imaginación y su importancia, resaltando el mensaje de que la imaginación es lo más importante y que debemos conservarla como cuando éramos niños.
  • Lorenzo y Teresita: Mediante esta pareja, Liniers nos muestra diferentes situaciones de la vida en pareja, condimentando dichas situaciones con ciertos aspectos del absurdo.
  • Z-25, el robot sensible: Es un robot que tiene el don de sentir moralmente. Y esto lo convierte en un amante de la naturaleza y siempre preocupado por los demás.
  • Oliverio la aceituna: Es una aceituna que se encuentra con los problemas que podría tener una aceituna si estuviera viva y con conciencia.
  • Pan Chueco: Se trata de un personaje con razonamientos varios acerca de cosas cotidianas con cierta 'sabiduría inútil', denominada así por Liniers en la primera tira donde aparece el personaje, también es el inventor omnisciente -con cierta ironía- de cosas como la tristeza o el vacío. Es una parodia de Dios.
  • Conceptual incomprensible: Esta es una serie de conceptuales marcadamente surrealistas que evocan elementos propios de la critica social pero que son, sencillamente, incomprensibles.
    Además, hay personajes que solo aparecen unas pocas tiras. Entre estos uno destacado es el "inquilino": un extraño ser que hace toda clase de cosas raras en la mansión Manutius.

Idioma: Español.
Editorial: Ediciones de la Flor
Guion: Liniers
Dibujo: Liniers 
Tradumaquetadores: Sr Milagro, ooooo  [CRG]
Archivos: 4 Tomos 
Formato: CBR   
Tamaño: 113 Mb

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jueves, 25 de junio de 2015

Sky Masters

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Sky Masters of the Space Force es una tira de cómic creada entre los años 1958 y 1961 por Jack Kirby y Wally Wood, que cuenta las aventuras de un astronauta estadounidense.

Supuestamente, Sky Masters of the Space Force nació a partir de una tira de ciencia-ficción llamada Space Busters, creada por Jack Kirby y el guionista Dave Wood, diseñada para ser vendida a un sindicato de prensa -dado que Kirby dudaba del futuro de los cómics tras la cruzada de Wertham contra su industria- y que, finalmente, no consiguieron vender.

Por aquella época, Harry Elmlark, "un agente del servicio de George Matthew Adams" consultó al editor de DC Jack Schiff por un cómic de ciencia-ficción para ser adaptado al formato de tira, que aprovechase el interés del público norteamericano en la carrera espacial tras el lanzamiento el año anterior del satélite Sputnik.

Al parecer, Schiff rechazó Space Busters y, o bien colaboró en la creación de una nueva tira o simplemente animó a Kirby y Wood a producirla: " una tira que trate de lanzamientos de cohetes, imágenes de la luna, y líneas argumentales generales ligeramente por delante de los actuales desarrollos aparecidos en las noticias ".

Idioma: Español.
Editorial: Glenat 
Año: 1958-1961 
Guion: Jack Kirby, Dave Wood 
Dibujo: Jack Kirby 
Tradumaquetadores:  (CRG)
Archivos: 2 Tomos ( 133 y 132 Paginas)  
Formato: CBR - B/N   
Tamaño: 654 Mb

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    Reseña Película: Guardianes de la Galaxia


    GUARDIANES DE LA GALAXIA

    Fecha de estreno: 24 de Julio, 2014
    Director: James Gunn
    Guionistas: James Gunn, Nicole Perlman
    Productora: Marvel Studios
    Reseña: Ñoño Cool

    Este film fue una verdadera apuesta de parte de Marvel por lo poco conocidos que son estos personajes, y también por basarse solo en aproximadamente un 50-60% en el material original para la gente que si seguía el comic. Una apuesta realmente arriesgadísima ¿Así que como es? Ah, pues nada, solamente FUCKING AWESOME!! Cosa que a estas alturas estoy seguro todos saben.

    La trama es bastante simple: un grupo de bandidos, que incluye a un humano que fue raptado desde la Tierra cuando niño, una asesina intergaláctica, un alien musculoso que no entiende las metáforas, un mapache parlante y un árbol que camina y solo puede pronunciar una frase; cada uno con su propio pasado, se unen gracias a las circunstancias para evitar que una de las Gemas del Infinito caiga en las manos de Ronan el acusador y este controle toda la galaxia en venganza por lo que le ha sucedido. A pesar de que la película lleva bastante liberada y fue un masivo éxito de ventas, no me adentraré en la trama pues les arruinaría el film a la gente que posiblemente aún no lo haya visto.

    El aspecto más fuerte del film es sin lugar a dudas el del humor, pues esta película es totalmente una comedia/sci-fi, y lejos la mejor en ese departamento de todas las películas de Marvel a la fecha, sacándome carcajadas en más de un momento. Con recursos como hacer referencias a la cultura popular, chistes irreverentes e inteligentes que más de una vez se encuentran en la típica escena súper seria de las películas de acción rompiendo esa fórmula, lo que los hace muchas veces inesperados; y por supuesto humor que recae especialmente en la gran “química” existente en las relaciones entre sus protagonistas.

    Chris Pratt en el rol de Starlord exuda carisma, con una personalidad que podríamos describirla como una mezcla de “Indiana Jones, Luke skywalker y un niño de 12 años” y es derechamente nuestro personaje principal, al que se le da más tiempo en pantalla, explora más su pasado y se le entrega algunos de los momentos más heroicos. Realmente Pratt demuestra que un actor que posea un cierto carisma especial puede sobrepasar al talento actoral a la hora de contratar a un protagonista para el rol necesario, como lo hiciesen antes Dwayne Johnson o Will Smith; los 3 nombrados tienen su buena cuota de talento para acompañarles pero sin duda es su carisma lo que les sigue consiguiendo trabajo.

    El resto del grupo de Guardianes también son unas genialidades, Batista se adueña del personaje de Drax a un gran nivel, no será un actor de calibre “Premios Oscar” ni nada de ese estilo, pero tengo que admitir que debe ser el mejor luchador transformado en actor desde la Roca; Zoe Saldana como Gamora también lo hace correctamente y la historia de su pasado al menos a mi me pareció bien construida; Groot es totalmente el Chewbacca del grupo y se roba casi todas las escenas donde aparece con una mirada, un bailecito tierno o soltando una frase repetitiva que uno pensaría cansaría rápido pero simplemente no hace más que mejorar.

    Ahora dejo para un párrafo aparte a Rocket Raccon, pues la película descansa muchísimo en los hombros del mapache a pesar de ser Starlord el protagonista, le apostaron fuerte a Bradley Cooper aquí al darle muchas de las líneas más memorables de todo el guión, y como era de esperar al igual que Groot termina robándose todas y cada una de las escenas donde aparece, a mi gusto uno de los mejores personaje del Universo Cinematico Marvel a la fecha, al menos en lo que comedia se refiere. No vi CGI en él sino que lo vi ahí presente, siendo todo un badass. Además recalcar que pesar de que todos los personajes mencionados fueran totalmente caricaturescos en su actuar se sintieron muy reales gracias al tono creado para la película.

    Mi único problema con todo el conjunto serán los villanos, Ronan el Acusador es solo el tipo malo… y listo, no sale más allá de ser el típico villano visto cientos de veces, desentonando un poco con el ambiente de la película, con un look tipo “monja gótica espacial con cianosis” y dueño de una personalidad tan plana como una hoja de papel; ¿y Nebula? Fue incluso más plana en cuanto a su identidad como personaje, casi virtualmente inexistente. Pero más allá de eso te gozas el film entero.

    Todo este conjunto cuenta con un excelente soundtrack (tipo Star Wars + Cowboy Bebop) que te mantiene entretenido en todo momento, su cinematografía está llena de color y con un ritmo rápido provocando que la duración de la película se sienta como si fuese la mitad, el 90% de las actuaciones son totalmente sobreactuadas (lo que va bien con el tono del film), los efectos especiales se ven muy bien trabajados,en especial el CGI dedicado a Groot y Rocket, y a pesar de que no soy un gran partidario del 3D en el cine creo que en este caso valió la pena. Tiene momentos tan ridículos pero los terminas aplaudiendo, es como ver a los Looney Tunes en el espacio, a ese tipo de “ridículo” me refiero; eso no quiere decir que no tenga momentos tensos y buenas dosis de acción, que las tiene y son bastante efectivos.

    Simplemente disfruté “Guardianes de la Galaxia” como un niño, lo pasé fantástico y desde entonces la he revisitado a través de las plataformas de internet para recordar algunas de las mejores escenas. Totalmente recomendada.

    9/10 



    Leer antes: Marvel Estudios - Guardianes de la Galaxia - Preludio Película 
     
    Enlace Externo: Guardianes de la Galaxia


    miércoles, 24 de junio de 2015

    Reseña: Daredevil Yellow


    DAREDEVIL: YELLOW

    Editorial: Marvel Comics
    Fecha de Publicación: Agosto de 2001 y Enero de 2002
    Escritor: Jeph Loeb
    Dibujante: Tim Sale
    Reseña: Ñoño Cool

    Querida Karen, tengo miedo. Cuando empiezo a creer que voy a superarlo, cierro los ojos y te veo entre mis brazos. Es como si tuviese un boquete en mitad del pecho. Al cabo del tiempo empieza a cerrarse y…veo a alguien con una risa parecida a la tuya o con un perfume que huele como el tuyo…y el boquete vuelve a abrirse.”

    Matt Murdock como personaje ha sido un caso triste, no por sus historias pues tiene algunas realmente muy buenas en el periodo de Miller y posterior a ese, sino por la escasa popularidad de la que ha gozado en Marvel desde sus comienzos con poca y nada de publicidad, una sola aparición especial en la serie live action de Hulk en los 70 y uno o dos capítulos en la series animadas en los 90 de Spider-man y X-Men nada más, incluso Wasp tuvo más importancia en el Marvel animado que Murdock. Ni hablar del periodo que paso luego de la película en 2003 con Ben Affleck, que terminó sumiendo en una maldición al hombre sin miedo en cuanto a publicidad y popularidad, quedando solo las reimpresiones tapa dura su etapa de Marvel Knights como algo destacable fuera de algunas colecciones individuales, no hablo de calidad porque la tiene, sino que de promoción.

    Esto vendría a cambiar hace sólo uno o dos años con la llegada de Marvel Now, pero sobretodo con el estreno de una nueva serie perteneciente al proyecto Defenders de Marvel Studios en Netflix. Una serie FANTÁSTICA, muy oscura y realista donde un hombre torturado trata de salvar una ciudad totalmente corrupta con fuerza bruta e inteligencia, mientras intenta reconciliarse con el problema filosófico de entregarse a su lado oscuro en un esfuerzo de seguir un estricto código de justicia; con actores de alto calibre que incluye al mejor Kinping jamás puesto en live action y el mejor villano del MCU a mi gusto, diálogos, trama, desarrollo de personajes y escenas de acción muy bien trabajadas que con razones suficientes propulsó al personaje a popularidades nunca antes pensadas… simplemente podría escribir una reseña completa sobre lo genial que es esta serie.

    Ahora, hay una razón por la que solo hasta su serie la gente que no pertenece al mundo comiquero no tomó atención al personaje como lo habían hecho con Spider-Man o los X-Men. Y es porque Daredevil nació en los años 60 como un personaje bastante mal concebido para ser sincero, sólo diferenciándose de otros héroes del medio por su discapacidad visual que lo definía casi totalmente, y con una personalidad bien Peter Parker de segunda en toda la etapa de Stan Lee, moviéndose en historias completamente absurdas como personalidades triples y cuádruples, triángulos amorosos y dueño de una galería de villanos que incluiría gente de la talla del Matador, el Hombre Zancos o la Rana Saltarina… bien patético realmente.

    No es hasta que Frank Miller 20 años más tarde pone sus manos en el personaje que lo transforma en lo que es ahora y lo dota de una identidad clara transformándose en uno de los primeros nombres que se te vienen a la cabeza cuando te preguntan sobre héroes “nivel callejero”, con historias oscuras, buena carga de influencia asiática, tomando riesgos en un camino mucho más adulto que antes, y aún así no fue sino hasta los últimos años donde el vigilante ciego de Hell's Kitchen ha comenzado a hacerse un lugar más notable fuera de los círculos comiqueros hacia el público general. Osea, el inicio de la carrera de este afamado vigilante no es algo que realmente querríamos mirar hacia atrás con muchas ganas ni mucho menos creer que una miniserie con un tono como aquellos podría ser fruto de una de sus mejores aventuras ¿cierto?

    En el afán de poder lograr esto es que Marvel toma a una de las mejores duplas de DC Comics y los pone a trabajar en este cometido. Para quien no conozca a los autores, ellos son la gente detrás de obras como “The Long Halloween” y “Batman: Dark Victory”, “Batman: Haunted Knight”, “Catwoman: When In Rome” y “Superman: For All Seasons”, todas historias de estudio de personajes que condensaban las características principales de sus protagonistas - Batman, Catwoman y Superman - sus virtudes, defectos, problemas y cuestionamientos situándoles en unas historias que hicieran brillar lo mejor de ellos… así que Loeb y Sale eran la pareja perfecta para la tetralogía de “Marvel: Colors”, donde se pretendía hacer básicamente lo mismo con Daredevil, Hulk, Capitan America y Spider-Man, solo que añadiendo el factor nostalgia al transportar las historias a las épocas más tempranas de los íconos de Marvel en una nueva luz actual. La primera entrega sería el comic al que le dedico la reseña de hoy: “Daredevil: Yellow”, una de las historia más aclamadas del personaje tanto la crítica como fans por igual.

    La miniserie de 6 números fue originalmente publicada bajo el sello Marvel Knights entre Agosto de 2001 y Enero de 2002, donde revisita algunos de los momentos más significativos en la vida del Hombre sin Miedo: sus años en la universidad, el asesinato de su padre, su elección de transformarse en un vigilante, la inauguración del bufete de abogados Nelson & Murdock, el inicio de su relación con Karen Page y más. La historia está narrada en primera persona por el propio Matt en la forma de una carta escrita a la difunta Karen Page como una forma de desahogar el dolor que le oprime y no deja descansar después de su asesinato en manos de Bullseye, carta donde recuerda un pasado más alegre del que vive ahora, y está cargada de momentos emotivos, gran desarrollo de personajes y mucho respeto y cariño hacia Daredevil, su historia y la huella que dejó en las páginas.

    Si son de los que gustan de leer batallas “super-ultra-splashpage-pow-wow” con “el enemigo más poderoso del universo-multiverso-raargh-malo maloso” mejor dejan esto de lado. Tenemos luchas y hay supervillanos presentes pero el núcleo de esta obra son los conflictos internos del nuestro protagonista - como el peso de la muerte de su padre - y su relación con Foggy y sobretodo con Karen, observado en una luz diferente y novedosa la química presente en el trío. Se toca también la muerte de ella, pero esto no es algo explorado activamente dentro de esta historia en sí, sino que todo el foco es la historia de amor entre Karen y Matt, y Matt y Daredevil; en esos primeros días donde él está divirtiéndose con ser un héroe y enamorado de la adrenalina que le produce antes de que la realidad lo golpease.

    Karen Page como personaje realmente me gusta, es una chica que se siente real y humana, con gran sencillez e incluso algo de testarudez en ella; la secretaria del despacho de “Foggy & Nelson” no es una damisela en peligro sino alguien tan capaz que salvó a Daredevil en más de una ocasión, y que tuvo una relación intensa con el abogado ciego. Antes de que Frank Miller la trajese de vuelta como una prostituta drogadicta que destruye la vida de Matt al traicionarlo (lo que daría paso a otro de los mejores comics sobre Daredevil: “Born Again”) Karen era un genial interés romántico para nuestro protagonista y una genial mujer en sí misma, por lo que le añade una capa de realismo a la pena de Daredevil al recordar ese pasado alegre, y es un golpe emocional a la mandíbula mientras avanzamos página a página en esta conmovedora historia.

    Ahora, quien siempre se luce más que cualquiera en estas colecciones es Tim Sale y su espectacular dibujo, un trazo con mucha fuerza, gran trabajo tanto en las viñetas donde ocurre acción como en la narrativa visual de los momentos más silentes, hay un perfecto trabajo en el uso de luz-sombra, los fondos y expresiones faciales, dotando de gran vida todo el libro y un fuerte contenido emocional. Logra además entregarle un tono muy retro a este mundo con la ayuda de los brillantes colores digitales de Matt Hollingsworth - en especial el amarillo como indica el título – donde nuestros héroes lucen como héroes y los villanos como villanos, y con solo mirarlos sabemos cuál es cuál;  y a pesar de eso sigue teniendo una vibra moderna cuando se dan pistas visuales sobre la oscuridad que se le viene encima a Daredevil - técnica que re usarían en una manera aún más efectiva en su “Spider-Man: Blue” un corto tiempo después – contrastando la inocencia inicial de nuestro Daredevil aún muy lejos de lo que Miller le haría llover sobre si más tarde, un personaje alegre y simpático con un luminoso traje amarillo para los tiempos luminosos antes de que la oscuridad del presente donde usa el apagado traje rojo conocido por todos que demuestra el cambio en su mundo.

    Otra cosa en donde los colores cumplen un gran rol es que mientras los personajes principales son siempre brillantes y están vestidos con colores vibrantes y detallados, los fondos son a menudo de color gris y muy apagados ayudando a crear una calidad de ensueño congruente con el hecho de estos eventos se están viviendo a través de los recuerdos de Matt Murdock mientras re-narra esta historia en sus cartas. No soy un experto en dibujo, es más, si te dibujo un mono con palitos sería un logro para mí, pero puedo reconocer un gran artista cuando lo tengo en frente y Tim Sale lo es, su mera presencia en este comic justifica que lo lean e incluso compren, ya quisieran muchos de los que trabajan actualmente tener su talento. Y esto es algo aún más interesante si recordamos que la época a la que se le hace homenaje no eran los guiones o los diálogos lo que hacían interesantes esas historias sino que sus grandiosos dibujantes.

    Además la reimpresión que colecciona los 6 números contiene un prólogo por el creador de Daredevil y cara conocida de Marvel, Stan Lee, quien escribe muy apasionadamente sobre el personaje que ayudó a crear Daredevil así como sobre el Universo Marvel en sí; y también viene con un sketchbook narrado que examina paso a paso la creación de “Daredevil: Yellow” sus personajes y temas de manera bastante exhaustiva. Ambos son excelentes adiciones, pues estos exámenes emocionales e introspectivos del libro inteligentemente reflejan la naturaleza emocional e introspectiva en como toda la historia de Daredevil: Yellow es contada.

    Pues a pesar de repetirme, tengo que recalcar que es la estructura emocional lo que sustenta el argumento y hace a "Daredevil: Yellow" excelente. Es algo más que una historia de amor, o una re-narración de los comienzos de Daredevil, es una historia acerca de como Matt Murdock tiene que aceptar la muerte de su padre, y perdonarse a sí mismo por el asesinato de Karen.

    “Daredevil: Yellow” además tiene que ser considerado en el contexto más amplio del Universo Marvel; la muerte de Karen es referenciada a lo largo del libro y es la razón por la que Matt escribe las cartas a través del cual cuenta esta historia, pero nunca se muestra en este comic. Está claro también que el "amarillo" del título no sólo se refiere al traje original de Daredevil sino también al color miedo, como bien sabe Parallax. Aunque Daredevil es el “Hombre sin Miedo”, Matt no lo es, y tiene que superar sus propios miedos y tristesa, para finalmente llegar a un nivel de aceptación con lo que sucedió a su papá y Karen. En su conjunto “Daredevil: Yellow” es un viaje emocional, que termina con una nota de esperanza cuando Daredevil, con su traje rojo, encuentra una forma de perdonarse a sí mismo por la muerte de su novia y una manera de honrar a su padre.

     La primera entrega en la serie de “Marvel: Colors” (seguido por “Spider-Man: Blue” y “Hulk: Gray”), el comic además funciona como una perfecta introducción a la gente que es ajena tanto a Daredevil como a Marvel. Hay un aire retro e inocente que imita los primeros días de Marvel, esos 60 donde Matt no despegó bien por su inicio tan tibio y mal construido y ponerlos a una luz mucho más humana, aunque no se va a lo demasiado anticuado y posiblemente desagradable para los lectores más jóvenes o más recientes. Además cuenta con una estructura más moderna en la  forma de crear narrativa de los momentos clave que hicieron de Daredevil post ochentero el héroe se ve hoy.

    Si eres nuevo en el Universo Marvel, o conociste a Daredevil solo por su película (pobre de ti) o por su FANTÁSTICA serie live action, te recomiendo tomar esta colección y darle una buena leída pues mejor punto de partida para adentrarte en el personaje no creo que exista.

    8.5/10





    Clive Barker's Hellraiser The Dark Watch

    P00001 - Hellraiser - The Dark Wat

    Continuamos con la serie y con los demonios que les quitan el sueño: LOS CENOBITAS.

    En el ultimo capitulo de Hellraiser volumen 1, Elliott Spencer y Kirsty Cotton quedaron aprisionados en alguna especie de castigo infernal auspiciado por el gran LEVIATAN.

    ¿Cual es el castigo impuesto por Leviatan a sus antiguos sacerdotes? Y si ellos no están como sacerdotes del infierno

    ¿Quien esta dirigiéndolo? ¿Que paso con Tiffany y su equipo caza demonios? ¿Que paso con Harry D'amour?

    ¿Que le paso a Elliott Spencer después de que se vea frustrado su intento de derrocar a Leviatan?

    Son muchas preguntas...y todas se responden en este volumen...

    Idioma: Español.
    Editorial: BOOM! 
    Año: 2013 
    Guion: Brandon Seifert 
    Dibujo: Tom Garcia 
    Tradumaquetadores: Berserker, Purificador (Prix)
    Archivos: 13  
    Formato: CBR   
    Tamaño: 296 Mb

    P00002 - Hellraiser - The Dark WatP00003 - Hellraiser - The Dark WatP00004 - Hellraiser - The Dark WatP00005 - Hellraiser - The Dark WatP00006 - Hellraiser - The Dark WatP00007 - Hellraiser - The Dark WatP00008 - Hellraiser - The Dark WatP00009 - Hellraiser - The Dark WatP00010 - Hellraiser - The Dark WatP00011 - Hellraiser - The Dark WatP00012 - Annual Hellraiser #1

    Descarga:

    martes, 23 de junio de 2015

    Reseña: Lovecraft


    LOVECRAFT

    Editorial: Vertigo
    Año: 2004
    Guion: Adaptado por Keith Giffen de un guión de Hans Rodionoff
    Dibujo: Enrique Breccia
    Reseña: Nyarlathotep

    Como todas las cosas, esta comienza en la oscuridad”…… comienza con las siniestra, oscura, y sorprendente imaginación de un hombre; el cual cuyos límites de su mente entre el mundo real y onírico, se transcribieron y formaron el universo con las criaturas mas sorprendentes, terribles y demenciales que hubiesen podido existir en la literatura. Un hombre cuyo ingenio y genialidad lo llevo a experimentar la débil línea que existe entre la cordura y la demencia total; de esta manera él fue capaz de desfigurar los límites existentes de la realidad, ver más allá de lo establecido, crear y hacernos experimentar el verdadero horror cósmico. Bueno, para los entendidos ya sabrán que el hombre del que estoy hablando es el gran escritor Howard Phillips Lovecraft (H.P. Lovecraft); principalmente conocido por grandes obras como los son “la llamada del Cthulhu, el Necronomicon, el Horror de Dunwitch, entre otros. De esta forma escribiendo libros con nombres y personajes extraños, que trataban de seres extraterrestres, pero que incorpora elementos sobrenaturales; nacieron las más grandes deidades que se convirtieron en iconos del horror cósmico, entre los que destaca principalmente Cthulhu, Azathoth, Shub-Niggurath, Yog-Sothoth entre otros. Y estos pasaron a formar un elemento constituyente del universo lovecraniano; el cual a pesar de haber transcurrido un buen tiempo de su creación, sigue siendo una parte influyente de la cultura pop, que se ha expresado ya sea mediante la literatura, las películas, la música, los videojuegos y juegos de tableros, animes, etc.

    Bueno, y de esta forma si sentiste curiosidad y te hiciste preguntas acerca de ¿cómo un simple mortal puede crear tales atrocidades?, ¿qué clase de vida pudo haber tenido este hombre? ¿Cómo se inspiró para crear seres de pesadillas? ¿Qué lo impulso a crear abominaciones contra la razón y la moral humana?... te invito a leer esta  gran novela gráfica; la cual se enmarca en mostrarnos la vida de Lovecraft, desde su nacimiento hasta su adultez, destacando todo lo que sucedía alrededor de este enigmático hombre, los trabajos que tuvo, sus relaciones tanto familiares como sentimentales y obviamente su camino para ser uno de los grandes escritores de los últimos tiempo; de esta forma para no hacer spoiler, veremos que entre la realidad y fantasía, entre la razón y la locura, este apasionante relato nos mostrara la biografía ilustrada de este genio creativo; la cual nos llevara a observar y vivir la experiencia de la lucha de un hombre con un gran intelecto versus sus demonios internos. Los cuales si es que son reales o no quedaran a tu elección; pues como verás, este obra es de doble lectura, en la cual la primera vez la podemos leer como un historia con hechos objetivos, (o sea que tienen lugar en un mundo “real” y que por lo tanto son situaciones que vamos viendo que suceden en la vida de Lovecraft); y otra como hechos subjetivos del protagonista, (en la cual nos adentramos en las retorcidas fantasías de un genio demente y por lo tanto vivenciamos sus desvaríos de la realidad).

    Bueno, en relación a esto último, sea cual sea la opción que elijas, te aseguro que pasaras un rato entretenido e interesante; además si es que aún no eres seguidor de Lovecraft (o si ya lo eres) de seguro que habrán seres, personajes o lugares que te llamaran la atención, y por lo tanto quizás te motives a ir a buscar a tu biblioteca más cercana obras literarias de dicho autor para profundizar más en el tema que te llamo la atención.    

    Con respecto al arte podemos decir que este cumple con creces en complementar el guion, pues le aporta mucha profundidad a la ambientación en la cual nos intentan situar, de esta forma el ambiente se forma envolvente con una adecuada complementación de colores, los cuales en su tonalidad y estilo generalmente opacos nos hacen sentirnos en el pasado en un ambiente bastante lúgubre. Además es importante mencionar que en esta obra los dibujos de los personajes son bien definidos con sus rasgos y detalles; pero algo que quiero destacar son las deidades o seres extra-dimensionales que existen en universo lovecraniano los cuales son realizados de una manera ambigua o poco concreta, sin características o formas definidas, pues como veras muchos de estos seres tal como están descritos en los libros u otros escritos quedan a la interpretación del artista, en los cuales algunos se les ha logrado dar una forma estable a través del tiempo, pero sin embargo, hay aspectos que quedan más bien sin definir y por lo tanto es propio del dibujante en este caso brindarle su interpretación y adaptación de manera que complemente lo narrado.

    Finalmente no tengo nada más que decirte salvo si eres seguidor de Lovecraft (o aún no lo conoces), te invito a leer esta gran obra; la cual te mostrara de una forma interesante el mundo de horror de Lovecraft; pues no todos los autores tienen el lujo de haber creado una mitología tan rica e interesante; pero a la vez tan rara y extraña, y poder plasmarla de una adecuada manera de tal forma que su influencia trasciende culturas y generaciones. Y además no todas las personas tenemos la suerte de encontrarnos con obras que nos muestran relatos tan cautivadores, que nos permitan sumergirnos en las fantasías de un escritor, y sus propios demonios internos. Pues esto será una experiencia nueva, la cual te guste o no, te hará conocer las potencialidades de la narrativa, en relación a que  comprenderás lo increíble que puede ser el mundo interno de una persona; y como este puede trascender gracias a la escritura.

    8.6/10


    Post:  Lovecraft


    lunes, 22 de junio de 2015

    Reseña: Hulk Gris


    HULK: GREY

    Fecha de Publicación: Noviembre 2004 - Abril 2005
    Escritor: Jeph Loeb
    Dibujante: Tim Sale
    Reseña: Ñoño Cool

    El penúltimo libro en proyecto “Marvel: Colors” a cargo del dúo de Jeph Loeb y Tim Sale, (a pesar de que aún esperamos el cancelado “Iron Man: Gold”) se enfoca en una de las mentes más brillantes del MU transformado en monstruo gamma, y a diferencia de esa horrenda serie regular de Hulk que estuvo también a cargo de Loeb donde se priorizaba la acción sin sentido en más de un 90 %, la miniserie de 6 números “Hulk: Gris” se concentra en el desarrollo del personaje y las emociones que su maldición le provoca a él y quienes lo rodean.

    A diferencia de “Spiderman: Blue” y “Daredevil: Yellow” que cubrían periodos de tiempo ligeramente largo mediante flashbacks, nuestra historia se centra casi totalmente en una sola noche, aquella primera noche. Además otra diferencia con aquellos dos títulos es que el monólogo de nuestro protagonista narrándonos su pasado, aquí es reemplazado por una serie de conversaciones entre Bruce Banner y el Doctor Sampson en sesiones de psicoterapia. Puede ser la historia más débil del trio de Marvel: Colors, pero no por eso deja de ser una lectura atrapante.

    Ya que la nostalgia y las conexiones con el pasado son el tema común en toda la trilogía nos volvemos a encontrar con ese Hulk primerizo, antes de que tomase su más popular color verde y se hiciese más fuerte. Nos cuenta el primer encuentro del Goliat con su archinemésis el General Thaddeus “Thunderbolt” Ross, las razones por las que éste lo odia con tanta fuerza y también descubriremos que incluso en esos primeros momentos no solo Banner estaba enamorado de Betty, sino que Hulk también sentía algo por ella. Veremos los primeros destrozos que causa a los soldados y sus “juguetes” y como ambas personalidades se hacen amigos inseparables de Rick Jones, y por supuesto golpes y más golpes mientras “Hulk aplasta” tratando de que lo dejen en paz por una maldita vez. Todo envuelto en ese ánimo atómico que existía en los años cincuenta y con tintes de la contracultura de inicios de los sesenta donde “un hombre” se enfrenta al “incuestionable y poderoso ejército de los Estados Unidos de Norteamérica”.

    Hulk es de los personajes más populares de Marvel a tal punto de que es parte imborrable de la cultura popular, lo que es extraño si consideramos que gran parte de sus historias no son lo que podríamos llamar… realmente buenas  o muy memorables (excepto Planet Hulk que me encanta), más si lo comparamos con las historias de Spider-Man o los Cuatro Fantásticos que nacieron por la misma época… sus secundarios tampoco resonaron mucho y sus enemigos tampoco, siendo en su mayoría solo bolsas de golpeo o tanques y helicópteros comandados por un tipo duro de mostacho; e incluso su show de televisión con Lou Ferrigno “The Incredible Hulk”, el show animado “Hulk” y la película con Edward Norton tampoco eran la gran cosa… y aún así el personaje simplemente se hizo más y más popular con cada una de estas producciones y apariciones en los comics alcanzando niveles que rivalizan con sus más grandes estrellas, y más aún con su participación en Avengers 1 y 2… ¿entonces qué es lo que hace TAN querido a un personaje si no son sus historias, ambientación o personajes secundarios?

    La respuesta es fácil, EL CONCEPTO en sí mismo. Stancito Lee siempre fue mucho mejor creando conceptos de personajes más que desarrollándolos (como ejemplo recordar la mítica historia de los Vengadores donde Thor está aterrado porque no puede salir de un auto en movimiento en medio de la autopista) entregándonos a Spider-Man, los Cuatro Fantásticos, Iron-Man y más, pero siendo siempre otros guionistas los que los hicieron memorables. Stan Lee es un verdadero genio para desarrollar conceptos y por eso su influencia sigue tan patente en el mundo del comic como una estampa imperecedera a pesar de no ser para nada buen escritor. Y Hulk es otro de esos conceptos brillantes para un personaje de la mano del viejo y querido Stan.

    El era un hombre, un simple y debilucho nerd como tantos lectores de tebeos de la época (ahora el público comiquero está mucho más cambiado y diverso) con un monstruo oculto dentro de él que no era capaz de controlar, un tipo común y corriente que era en realidad una gigantesca masa de músculos que podía partir rascacielos en dos con un golpe. Y además era impulsado por la ira, ¿conoces esa sensación cuando te enfurecías con alguien y querías hacer algo al respecto pero no podías? Bueno, Hulk es ese alguien que cuando se enoja si puede hacer algo al respecto… y eso resonó mucho con los lectores.

    E incluso podría decir que hay aún más que eso, pues en un mundo lleno de superhéroes vestidos de spandex, Hulk apenas y tenía unos pantalones rajados puestos y ni siquiera era técnicamente un superhéroe. Nuestro “Doctor Jekyll/Mister Hyde” moderno no es un héroe ni un villano,  es realmente una bestia sufrida e incomprendida por un lado y un triste y eternamente atormentado hombre por otro lado, que intentan ambos sobrevivir en un mundo que los odia. Un concepto de lo más sencillo pero bastante interesante.

    Y como Loeb entiende esta sencillez es el por qué este tebeo funciona tan bien. Todo desde la estructura de los capítulos, la composición de las viñetas, el trabajo de colores y lápices, los diseños de cada personaje, diálogos e incluso hasta la narrativa misma puede ser todo resumido con esa palabra: “simple”. Y es esto precisamente lo que permite que la esencia del personaje sea capturada de gran manera, y que tengamos momentos muy memorables como cuando el solitario Hulk comparte un tierno momento con un pequeño conejo.

    Para mantener las cosas de ese modo Loeb elimina cualquier elemento que pueda traer complicaciones, como por ejemplo al referirse a la relación de Banner con su padre (explorada por Peter David más adelante) con un simple intercambio entre Sampson y Bruce que hablan en un “¿hemos lidiado con eso hasta el cansancio no? Dicho en sus sesiones de psicoanálisis; dejando claro que si, Hulk se volvería progresivamente un personaje más profundo y complejo (Planet Hulk es la epítome de eso) pero AHORA, en el momento que nos importa no es más que el comienzo de la bestia y sus primeras noches como el gigante impulsado por furia, deja que los enredos futuros se queden allá, en el futuro y mantengamos las cosas “simples”.

    La única verdadera “metáfora” que podríamos encontrar sería el color gris de Hulk. Ya no es solo el color caro de imprimir con el que nació el monstruo y para ahorrar dinero lo cambiaron a verde (por eso el Hulk Ultimate es gris… como homenaje a eso), sino que se juega como un elemento para comparar la naturaleza ambigua de la bestia con el General Ross…. Y no funciona realmente, pues Ross no es para nada ambiguo sino que aquí es un maldito villano psicopático, así que este elemento está como sobrando en la narrativa general. Otro negativo podría decirse es que 6 números son mucho para lo que realmente es esta historia, la que pudo contarse fácilmente en 3, por lo que hay sucesos que se extienden más de lo necesario.

    Dejando eso de lado, nuestra historia tiene mucha atmósfera en su narrativa, desde la parte de la cueva, la del conejo o incluso la lucha contra un Ironman en su armadura Modelo I, Mark II… esa dorada completa y con faldita a juego. Una simple y tranquila historia irónicamente perfecta para un ser con tanta rabia salvaje contenida en su interior.

    Por su parte Sale en su dibujo entrega algo de altísima calidad como siempre, pero yéndose por un estilo más “Tales of Suspense” de los años 60 con lápices duros que la técnica tipo acuarela más al que nos tiene acostumbrado. Su versión del Ironman dorado y Hulk gris son totalmente oldschool con todo el sabor de Steve Ditko y Jack Kirby que homenajean todo ese gran periodo del mundo comiquero.

    Aunque es la colaboración más floja de este gran dúo, y 6 números son el doble de lo que se necesita para entregarnos todo el contenido que se pretende entregar, el tebeo no aburre en ningún momento, el dibujo es fantásticamente retro, con una historia atmosférica que calza perfecto para Hulk y que te deja un muy buen sabor de boca al finalizar. Puede que Loeb haya hecho un desastre cuando se encargó de la colección de Hulk dejando solo a Red Hulk como aporte memorable en todo su run, pero aquí en “Hulk: Grey" construye una historia que realmente vale tu tiempo, en especial si quieres saber un poco más de la etapa del gigante cuando aún no tomaba su famoso color verde

    7.5/10



    Post: Hulk Gris


    domingo, 21 de junio de 2015

    Reseña Película: Captain America The Winter Soldier


    CAPITÁN AMÉRICA - EL SOLDADO DE INVIERNO

    Fecha de Estreno: 4 de abril de 2014
    Directores: Anthony Russo, Joe Russo
    Guionistas: Christopher Markus, Stephen McFeely
    Productora: Marvel Studios
    Reseña: Ñoño Cool

    No debería sorprenderlos a esta altura del partido, y la gran mayoría de ustedes habiéndola visto, si digo que Captain America: The Winter Soldier es otro triunfo de parte de Marvel Studios, y no creo estar exagerando cuando digo que es definitivamente la mejor película hecha por Marvel hasta la fecha, incluso me gusta más que la reciente Age of Ultron, la cual también fue un exitazo. Su tono y estilo puede ser completamente diferente, pero en calidad está realmente a la par con "The Dark Knight" de Nolan, Bale y Ledger (la del murciélago para mi es la mejor película de comics jamás hecha). Por lo que sí, es un completo éxito en todos los niveles.

    A estas alturas, muchos ya saben que la película es una adaptación libre del arco de comics del mismo nombre escrito por Ed Brubaker y dibujado por Steve Epting, y como un fan de ese arco argumental, creo que puedo decir que estoy 100% satisfecho tanto con los cambios como con las similitudes con su material de origen. Desde el comienzo hay conspiraciones en la trama, y algunos giros que para el lector de comic promedio son MUY predecibles... (pero no por eso malos), para el espectador común serán una gran sorpresa.

    Los directores Anthony y Joe Russo logran el balance perfecto, y en el proceso nos entregan una película con unas escenas de pelea que podrían fácilmente rivalizar con las vistas en "The Raid: Redemption" en términos de pura emoción y euforia. Dichas escenas nos dejan claro que Steve Rogers está lejos de ser un ser humano, incluso más que el mejor de ellos (físicamente hablando) tal como es en los cómics. Como terminó resultando, la inesperada decisión de elegir a estos hermanos para dirigir la nueva película del Capitán fue realmente acertada; y el enfocarse mucho en las escenas de acción no significa que la historia y el argumento se ven afectados para nada, de hecho les ayuda. Además, si el regreso de un personaje desde el pasado de Steve ya los tenía emocionados, el sorpresivo regreso de otro es inmensamente satisfactorio.

    Solo hay un área en esta secuela no es tan buena como debería haber sido, y eso es explorar más el pasado del Winter Soldier; si bien tenemos unos breves flashback que nos dirán lo suficiente para entender lo que le llevó a ser lo que es, tal vez el pasar un poco más tiempo en esa área hubiese ayudado a que su subtrama terminase un poco más satisfactoria. Pero eso es solo una queja menor, y Sebastian Stan lo hace increíble en su rol (los fans del personaje que lo siguen desde el comic estarán encantados, y se nota que lo que hizo fue un logro por la lluvia de fangirls,y nuevos fans) Y tal como en Ironman 3 y en Thor 2, el final nos deja con un "Continuará..." por lo que veremos un montón más del Winter Soldier más adelante (el actor firmó por otras 9 películas así que este punto era un poco obvio)

    Todo el cast de la película hace un muy buen trabajo, tanto las caras nuevas como las familiares, aunque algunos solo están de paso y ya, casi cameo; sobre lo que se decía de que Chris Evans no sabía interpretar al Capitán América, pues ha mejorado bastante en esta entrega, no al punto de que sea Steve en carne y hueso (eso lo sentí totalmente en Age of Ulton), pero se acerca realmente a la esencia del personaje, y mejorará en las siguientes entregas Marvel.

    Anthony Mackie es una muy bienvenida adición a la familia Marvel en el cine, pues está lleno de carisma y da paso a algunas de las mejores bromas (a su cuesta eso si) en el film. Scarlett Johansson se luce totalmente como una agente totalmente badass y Samuel L. Jackson es Nick Fury Ultimate en carne y hueso.

    Un problema del film es uno que se ha visto mucho en el Universo Cinemático Marvel al completo, la "muerte que no es muerte". Ya lo vimos en Thor 1 con Loki, Pepper Pots en Ironman 3, Loki otra vez en Thor 2, Groot en Guardianes de la Galaxia, Coulson en Avengers, y como no, Nick Fury en este film. Es el único elemento que realmente detesto del cine en Marvel pues elimina completamente la tensión de que una muerte realmente tenga peso.

    Ahora por otro lado lo que más me impresionó sobre Captain America: The Winter Soldier es que cambia completamente el campo de juego en el Universo Cinemático de Marvel. Las ramificaciones para Avengers: Age of Ultron son bastantes (como se confirman en ese film), y ciertas revelaciones sobre el pasado, y guiños interesantes te harán querer volver a ver algunas películas previas de Marvel con una nueva perspectiva. Tanto el soundtrack, los efectos especiales y todo otro aspecto en esta secuela es perfecto, y es una de esas películas que querrás volver a ver varias veces. Hablando del tono, es la película más seria de Marvel, y si eres como yo y no te gustó el excesivo humor cada 3 segundos en Iron Man 3 o el humor forzado (en especial de Kat Dennings) en Thor 2, creo que la seriedad te vendrá bien. Por supuesto, esto no significa que no hay diversión en el film, ya que hay definitivamente momentos muy graciosos, de un humor mucho más inteligente.

    Sumado a la recientemente estrenada Age of Ultron me deja clarísimo porque Marvel puso ese estreno a competir con Batman/Superman y este film tuvo que cambiar su fecha para no toparse con la Civil War que se viene. Para resumir, Captain America: The Winter Soldier es la película perfecta para el personaje, en todo aspecto, la mejor de todo Marvel hasta ahora.

    9/10



    Enlace Externo: Captain America The Winter Soldier (Castellano)
                                 Captain America The Winter Soldier (Latino)


    My Little Pony (Mi Pequeño Pony)

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    martinchoginer nos presenta un comic para los mas chicos (y no tanto) del blog, tradumaqueteado por la pagina de fans Equestrianet y la pagina de Facebook My Little Pony - Noticias Latinoamérica.

    My Little Pony: La Magia de la Amistad es una serie de televisión infantil animada. Se estrenó el 10 de octubre de 2010 en el canal estadounidense Hub Network, y está basado en la franquicia de My Little Pony, propiedad de Hasbro. La serie es producida por Hasbro Studios y Studio B Productions. Se encuentra actualmente en producción de su quinta temporada en Estados Unidos, y es emitido en docenas de países en más de veinte idiomas.

    Además de los juguetes y la serie de televisión, Hasbro ha licenciado ropa, cómics y videojuegos basados en La Magia de la Amistad.

    Lauren Faust, animadora en varios otros exitosos programas para niños, fue seleccionada por Hasbro como directora creativa y productora ejecutiva. Faust buscaba desafiar la naturaleza "infantil y de niñas" de la actual línea de My Little Pony, creando personajes y situaciones más profundas. Se enfocó en temas de aventuras mucho más que en las animaciones anteriores de My Little Pony, y se centró en historias sobre resolver problemas entre amigos. Faust y su equipo incorporaron sugerencias de Hasbro para cumplir con la clasificación de programa educativo e informativo y para motivos de marketing de la línea de juguetes, pero para todo lo demás tuvieron rienda suelta. Faust dejó el cargo de productor ejecutivo hacia el final de la primera temporada, pero se mantuvo como productor consultor durante la segunda temporada y finalmente dejó el programa. Jayson Thiessen, el director supervisor, asumió el cargo de Faust.

    La serie presenta a Twilight Sparkle, una estudiosa unicornio que es encargada por la Princesa Celestia que aprenda acerca de la amistad, por lo cual es enviada a el pacífico pueblo de Ponyville. Twilight se vuelve amiga de otras cinco ponis, Applejack, Rainbow Dash, Rarity, Fluttershy y Pinkie Pie. Cada una de estas seis ponis representa una faceta de la amistad, y son la llave esencial a los elementos de la armonía. A través de la serie, Twilight y sus amigas aprenden más acerca de la amistad y viven maravillosas aventuras. Al final de cada aventura Twilight le envía un informe de lo que ha aprendido en el día. El programa ha sido alabado por la crítica por su carismático humor y su perspectiva moral. A pesar de que su público objetivo consistía en niñas pequeñas, La Magia de la Amistad ha ganado una legión de seguidores predominantemente adolescentes y adultos jóvenes, en su mayoría hombres, que se llaman a sí mismos "bronies". Las razones detrás de esta apreciación "accidental" consisten en una mezcla entre la contribución creativa de Faust, el argumento, la caracterización de los personajes, el expresivo estilo de animación basado en flash, temas que una audiencia mayor puede apreciar, y una relación recíproca entre Hasbro, los creadores y los fans. Elementos del show se han vuelto parte de la cultura remix y han sido la base de una variedad de memes de internet.

    En cuanto a los cómics, el primer número se publicó el 28 de noviembre de 2012 por IDW Publishing, bajo licencia de Hasbro. La serie ofrece historias basadas en el universo de ficción establecida por el programa de televisión. Siguen a la estudiosa Twilight Sparkle y sus amigos en sus aventuras por toda la tierra de Equestria. Aunque el cómic, como el espectáculo, está dirigido a los niños pequeños, los escritores y los artistas han incluido material para atraer a todos los públicos, con referencias culturales y elementos que agradan al fandom.

    El primer número tuvo mas de 100.000 pedidos anticipados antes de su lanzamiento, por lo que fue uno de los cómics más vendidos en el mes y el año, lo que requirió que IDW emitiera una segunda impresión; fue uno de los dos no DC o no Marvel cómics en el top de los 100 cómics mas vendidos en el 2012. Los números posteriores fueron los mensualmente más vendidos y representaron la propiedad de mayor venta de IDW. Los periodistas de la industria del cómic señalaron que los fans mayores tuvieron la oportunidad de comprar cómics de nuevo después de muchos años, mientras que los fan niños tuvieron la oportunidad de hacerlo por primera vez, provocando que el éxito del cómic de My Little Pony permitiera ayudar a la industria en crisis. La primera edición fue altamente elogiada por capturar el espíritu de los personajes y la presentación del espectáculo mientras que proporciona una buena introducción a su mito para los que no estaban familiarizados con el.

    Todos los cómics pertenecen a los tradumaquetadores de la pagina Equestrianet y My Little Pony - Noticias Latinoamérica, donde además de los cómics oficiales pueden encontrar capítulos de la serie de TV, noticias, fanarts, fancomics y mucho mas.

    Idioma: Español.
    Editorial: IDW
    Guion: Katie Cook, Heather Nuhfer, Ted Anderson, Alex de Campi, Jeremy Whitley, Rob Anderson, Thom Zahler, Christina Rice, Barbara Randall Kesel, Bobby Curnow, Ryan K. Lindsay y Georgia Ball.
    Dibujo: Andy Price, Amy Mebberson, Brenda Hickey, Agnes Garbowska, Carla Speed McNeil, Tony Fleecs, Jay P. Fosgitt, Thomas Zahler, Ben Bates y Agnes Garbowska.
    Tradumaquetadores: JARZ, Wushi, Tlato, Oviletti, Rey K y Somepony (EQN) xocolat (MLPNL) martinchoginer (HTAL)
    Archivos: 105 (Actualizable)
    Formato: CBR   

    Friendship is Magic:
    La serie regular, los arcos de las historias abarcan dos o cuatro números cada uno; Katie Cook, y Andy Price escriben e ilustran el primer arco respectivamente, mientras que Heather Nuhfer y Amy Mebberson realizan lo mismo en el segundo.
    002003004005006007008009010011012Layout 1014015016017018019020021022023Layout 1025026027028029001001001001002001002_thumb[1]00200100200101010105020101My Little Pony - Friendship Is Magic 048-000001001001001Layout 1001001001

    Micro series:
    Una edición limitada separada de la serie con "Micro" historias en torno a un solo personaje, Thom Zahler escribió el primer número, varios escritores y artistas participaron en el resto. La serie finalizo el 18 de diciembre de 2013.
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    Friends Forever:
    Sucesora de las micro series, consta de historias de un solo numero autoconclusivo, cada uno centrada en dos personajes y sus aventuras.
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    FIENDship Is Magic:
    Miniserie centrada en los villanos del universo de MLP.
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    Anuales y  especiales:
    Como lo dice su nombre, cómics anuales y especiales caracterizados por su larga duración e historias únicas.
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